Arquitectura de El Salvador. 
El Eclecticismo en El Salvador: mezcla de estilos. El Salvador, situado en el centro de América, con un clima muy caluroso, basado por las aguas del Océano Pacifico y llamado también el valle de las Hamacas, por los fuertes temblores que suelen sentirse muy a menudo. La arquitectura en El Salvador, es una mezcla de estilos arquitectónicos que pueden ser mucho mas notables en la capital, San Salvador.
Arquitectura Colonial

Campanario Iglesia de  Panchimalco  Altar mayor Iglesia de Panchimalco

Iglesia Santiago Apostol Chalchuapa Iglesia colonial  de Panchimalco

Por ser una ciudad en proceso de desarrollo exhibe una variedad de edificaciones que muestra un mosaico de materiales, procesos constructivos, estilos arquitectónicos y varias tendencias que pueden convertirse en... Es así como al dar un recorrido por la cuidad, podemos encontrar viviendas con una mezcla de Arquitectura Colonial y estilo Californiano, dadas sus características, así como también viviendas de tipo Americano (como se les llama acá), pues son viviendas al estilo de Estados Unidos, son de madera, y son ensambladas en el lugar, viviendas de tipo Europeo con acabados en madera y piedra, y las que dominan en su mayoría las de tipo racional, donde se busca la racionalidad de los espacios por medio de la función de estos. 

Encontramos diversidad de estilos arquitectónicos en las Iglesias de la cuidad, desde estilos eclécticos, hasta el dominante estilo Neo-gótico. No puedo dejar de mencionar los grandes centros comerciales que se están construyendo en mi país, debido al concepto de Globalización, estas grandes masas comerciales no responden a una arquitectura en si, son mas bien una tendencia en colores, materiales para decoración, sistemas constructivos y masas consumistas que están muy de moda hoy en día.
la Arquitectura Colonial. Es aquí donde se puede observar una arquitectura sin precedentes, iglesias construidas en la época de la colonia, con sus grandes contrafuertes, con sus columnas salomónicas y que puedo decir de las viviendas de los pueblitos de mi país, construidas con adobe, con los dinteles en las entradas de las casas, sus corredores que dan a las fachadas de las casas, sus patios centrales, todas esas características le dan ese toque colonial a los pueblos de mi país. Aun cuando mi país esta innovando en materiales y sistemas constructivos, los tradicionales materiales que se ocupan acá para construir siguen siendo ocupados por miles de Arquitectos en todo el país. El material por excelencia para la construcción de paredes es el bloque de concreto, el cual podemos encontrar una diversidad de estilos y colores y empresas que los distribuyen. 

Algunos de los materiales que se están ocupando mucho últimamente en mi país es la Tabla Roca o Tabla Yeso que es utilizado en paredes interiores para restarle peso al edificio, el Reynobond utilizado en fachadas de edificios e interiores de espacios, paneles decorativos con texturas simulando piedras que son utilizados para decoración de viviendas, los marcos de las ventanas en P.V.C, pisos de cerámica para viviendas y oficinas, y lo mas innovador son las estructuras metálicas en los esqueletos (columnas, vigas y losas) y estructuras de techos de los edificios. Es así como puedo concluir que la Arquitectura en mi país es una mezcla de estilos, tendencias y modas que nos vienen de todas partes del mundo, pero sin perder aquellas características salvadoreñas que le dan la vida a las edificaciones como son los materiales y el toque personal que le impone el diseñador a la hora de hacer su proyecto.

Estilos Arquitectónicos

La arquitectura es un arte que tiene estilos muy variados. Hay muchísimos, pero vamos a mencionar los estilos mas importantes y un exponente de este estilo en nuestro país.

Gótico

Es un estilo arquitectónico que tomó su inspiración de la arquitectura medieval. Floreció en Europa del siglo XII al XVI. Su principio generador se dio en la estructura ojival (arcos con punta)de la bóveda: fundada en el principio de la bóveda por aristas o crucería. La bóveda gótica nació de la necesidad de aumentar la altura de las naves y disminuir el empuje de las bóvedas y distribuir mejor el peso. Estos resultados se obtienen con el uso de los arbotantes y el truncado de las bóvedas. Este estilo se dio, sobre todo, para la construcción de iglesias y catedrales.

                                                  ARTE VISUAL DE GUATEMALA.

La civilización maya fue una civilización mesoamericana desarrollada por los pueblos mayas, que destacó en América1 por su escritura glífica, el único sistema de escritura plenamente desarrollado del continente americano precolombino, así como por su arte, arquitectura y sistemas de matemática y de astronomía. Se desarrolló en la región que abarca el sureste de México y que corresponde a los estados de Yucatán, Campeche, Tabasco, Quintana Roo y la zona oriental deChiapas, así mismo la mayor parte de Guatemala, Belice, y la parte occidental de Honduras y El Salvador. Esta región se compone de las tierras bajas del norte que abarca la península de Yucatán, las tierras altas de la Sierra Madre que se extiende por el estado mexicano de Chiapas, el sur de Guatemala hasta El Salvador, y las tierras bajas del sur en la llanura litoral del Pacífico.

Durante el periodo formativo, antes de 2000 a. C., se inició el desarrollo de la agricultura y la población se hizo sedentaria estableciéndose en las primeras aldeas. En el período Preclásico (c. 2000 a. C. hasta 250 d. C.) se desarrollaron las primeras sociedades complejas y se cultivaron los alimentos básicos de ladieta maya: el maíz, los frijoles, las calabazas y los chiles. Las primeras ciudades mayas se desarrollaron en torno a 750 a. C. Alrededor de 500 a. C. estas ciudades poseían una arquitectura monumental, incluyendo grandes templos con fachadas de estuco. La escritura glífica se utilizó desde el siglo iii a. C. En el Preclásico Tardío se desarrollaron grandes ciudades en la Cuenca del Petén, y Kaminaljuyú alcanzó prominencia en el altiplano guatemalteco. Desde alrededor de 250 d. C., el período clásico se define en gran medida por el levantamiento de monumentos esculpidos empleando las fechas de Cuenta Larga. En este período se desarrolló un gran número de ciudades-estado vinculadas entre si por una compleja red de comercio. En las tierras bajas mayas surgieron dos grandes poderes rivales, Tikal y Calakmul. Se vio también la intervención extranjera en la política dinástica maya de la ciudad de Teotihuacan del centro de México. En el siglo ix, se produjo un colapso político general en la región central maya, que originó guerras internas, el abandono de las ciudades, y un desplazamiento poblacional hacia el norte. Durante el período Posclásico surgió Chichén Itzá en el norte, y se produjo la expansión del reino quiché en el altiplano de Guatemala. En el siglo xvi el Imperio Español colonizó la región mesoamericana, y tras una larga serie de campañas militares la última ciudad maya cayó en 1697.

El poder político durante el periodo Clásico se centró en el concepto del «rey divino», que actuaba como mediador entre los mortales y el ámbito sobrenatural. La monarquía era hereditaria y patrilineal, y el poder pasaba al hijo mayor. La política maya estaba dominada por un sistema de patrocinio, aunque la exacta composición política de un reino variaba de una ciudad-Estado a otra. Hacia el Clásico Tardío, la aristocracia había aumentado considerablemente y se había reducido el poder exclusivo del rey divino. La civilización maya desarrolló formas de arte sofisticadas utilizando tanto materiales perecederos como durables, incluyendo madera, jade, obsidiana, cerámica, monumentos de piedra tallada, estucos y murales finamente pintados.

Las ciudades mayas solían expandirse sin planificación. El centro de la ciudad era ocupado por complejos ceremoniales y administrativos, rodeado por una irregular expansión de barrios residenciales. A menudo las diferentes partes de una ciudad eran conectadas por calzadas. La arquitectura principal de la ciudad se componía de palacios, templos piramidales, juegos de pelota ceremoniales, y estructuras alineadas para la observación astronómica. La élite maya sabía leer y escribir, y desarrolló un complejo sistema de escritura glífica, considerado el más avanzado en América precolombina. Los mayas grabaron su historia y conocimiento ritual en libros en forma de biombo, de los que sólo permanecieron tres ejemplos con incuestionable autenticidad, el resto fue destruido por los españoles. También existe un gran número de ejemplos de inscripciones mayas en las estelas y la cerámica. Los mayas desarrollaron una compleja serie de calendarios rituales entrelazados, emplearon la matemática y fueron uno de los primeros pueblos en utilizar elcero explícito en el mundo. Como parte de su religión, los mayas practicaban sacrificios humanos.

                                             ARTE VISUAL DE HONDURAS.

Antecedentes de artes plásticas en Honduras

El 15 de abril de 1878 se registra el primer antecedente en este campo con el establecimiento de una Escuela de dibujo y pintura ubicada en Tegucigalpa; en 1890 se crea la Academia de Bellas Artes y de Dibujo Aplicado a las Artes Industriales fundada y dirigida por el señor Tomás Mur, de nacionalidad española. En 1934, se crea la Academia Nacional de Dibujo, “Claroscuro al Natural” Bajo la dirección del Maestro Carlos Zúñiga Figueroa, y para 1938 surge la Escuela de Artes y Oficios, en este mismo año se abre la sección de Dibujo Artístico que sugiere la creación de la Escuela Nacional de Bellas Artes.

La escuela de Bellas Arte.

La Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA) fue fundada en 1940 por el Presidente de la República el Doctor y General don Tiburcio Carias Andino.

Carias Andino otorgó a los artistas Arturo López Rodezno, Maximiliano Ramírez Euceda, Samuel Salgado y Salvador Posadas, desde un año antes mediante un mandato gubernamental para la creación de una Escuela de Artes; dichos personajes se habían propuesto la creación de tal escuela en concordancia con el presidente. El mismo año se ubicaron en el edificio de artes de la E.N.B.A. 6 calle, 2 y 3 avenida, frente al Parque “La Libertad” en Comayagüela, D.C. En sus inicios la Escuela Nacional de Bellas Artes (E.N.B.A.) los alumnos recibían clases de dibujo, pintura, escultura, algunos modelos que fueron pintados, eran provenientes en su mayoría de Europa; y, plasmados por los alumnos en lienzo montados sobre caballete.

         TALLER LA MERCED.

Carlos Aníbal Cruz Martínez nace el 28 de enero de 1943 en San Juancito, antigua zona minera del Distrito Central, siendo sus padres Juan Cruz y Luisa Martínez; realiza la educación primaria en la Escuela Lempira de Comayagüela y la secundaria en el Instituto Central Vicente Cáceres, entonces en Tegucigalpa.

Ingresa en 1964 a la Escuela Nacional de Bellas Artes, cuando tiene 21 años y luego el mérito de ganar una mención honorífica en el concurso Esso de Centroamérica; en 1966 obtiene el cuarto premio en el III Salón de Pintura del Instituto Hondureño de Cultura Interamericana (IHCI); en 1967 concluye su profesorado en dibujo y modelado, al tiempo que gana el segundo premio del salón del IHCI y participa en la Bienal de Sao Paulo. En 1968 sale para Barcelona con Virgilio Guardiola y permance hasta 1973, para incorporarse el año siguiente al Taller de La Merced (1974-1976). En 1996 se conoce su muerte en un hospital cercano a su alma mater comayagüelense, donde es recordado por su oficio de pintor y congénita docencia.

Durante su vida artística, Cruz logra experimentar 6 etapas relativamente claras. La etapa académica, de 1964 a 1969; la barcelonesa, de 1970 a 1973; la mercedaria, de 1974 a 1976, la posmercedaria, de 1977 a 1979; la ochentina, de 1980 a 1987; y la final, noventina, de 1988 a 1996.

Su etapa académica coincide con el paso del arte latinoamericano por la nueva figuración, con un discurso expresionista protagonizado por José Luis Cuevas en México y por el grupo La Otra Figuración en Argentina. Son los años internacionales de Roberto Matta y Julio Le Parc, ambos preocupados por el rol del artista en la sociedad, los de «El pueblo tiene arte con Allende» en Chile y de «Tucumán arde» en la misma Argentina, fenómenos que inciden a distintos niveles en el subcontinente.

Para caracterizar su etapa académica, uno debería escuchar las palabras del dramaturgo Francisco Salvador de 1968 y quedar satisfecho: «Aníbal Cruz, con sus pequeños veinte años a cuestas sufre y transmite inocentemente ese instante de agonía e insatisfacción. El hambre se le transforma en objetos y composiciones sublimadas, y el vigor de su mestizaje se sale del lienzo para entregarse como espíritu permanente. Aníbal Cruz, con sus pobres tres años de trabajo —prosigue—, agranda el tiempo como si fuera un siglo, y busca temiblemente el hallazgo, como el perro cariñoso el alimento escondido».

Al terminar los 60 y a causa de su condición trashumante, pasa a otro nivel visual caracterizado por un ensanchamiento semiótico, con nuevos significantes se basan en la escritura fonética y el grafismo infantil. Para entender esto en la obra cruceña hay que imaginarse muchas influencias y mediaciones, pero con seguridad debemos relacionarlo con el informalismo de Jean Dubuffet, que deseando hallar la inocencia primigenia, intenta hallar un nuevo vocabulario figurativo.

En lo estrictamente español y barcelonés, Cruz debe enfrentar tanto la novedad como el hecho paradójico de que muchos de los artistas importantes se entregaban a las formas públicas de expresión, dependientes de los museos y de otros espacios oficiales —a diferencia de los vanguardistas «originales», que eran hostiles a todo aquello que los asociara a la oficialidad—. Con este espesor socioestético, la pintura «barcelonesa» de Cruz se vuelve segura, crítica y espontánea, sin más alternativa que aferrarse a una propuesta heterogénea, con asiento en lo colectivo más que en lo objetivo.

En el primer tercio de los 70 Cruz regresa de Barcelona y se incorpora al Taller de La Merced. Para este momento casi todos los artistas correspondientes al grupo setentino tienen asumida la consolidación, con sus respectivos aprendizajes académicos ya definitivos. Si en la etapa anterior, este creador se basa en la dicotomía lenguaje/realidad, ahora tiene en cuenta una heterorreferencialidad, dando cuenta de lo objetivo, colectivo y subjetivo. Con la vindicación de esto último obtiene la carta de ciudadanía para experimentar a todo nivel la obra de arte, cargando el lienzo de formas misteriosas.

Con el tiempo, y antes de entrar a los 80, la radicalidad «mercedaria» de Cruz es modificada a favor de un discurso más neofigurativo, que recuerda la etapa académica por lo menos en el tratamiento del color, más texturado y bajo, aunque igualmente severo. En lo temático, busca avalarse en la práctica de los años barceloneses, con un concepto más antropológico que ideológico, entregando sencillas narraciones de lo cotidiano, tamizadas por el recuerdo y la lectura histórica, en franca sintonía con el trabajo coetáneo de Miguel Ruiz Matute, Dante Lazzaroni y Moisés Becerra.

En los 80, aquella sensación de zozobra, renuncia o clandestinidad, que se destila en el ambiente sociopolítico, se convierten en la obra de Cruz en silenciosos umbrales con imágenes de hombres y mujeres que huyen, que suspiran, que se arrullan, como si después del mundo sólo quedara el amor y las miradas; todo esto tratado con un color traslúcido, que borra y hace desaparecer. Con ello regresa a la figuración más nítidamente, pero el tema que logra no es la exterioridad, sino la participación interior, entendida como una corriente de impotencia que sólo es reposo y espera.

Está claro que la preocupación por la colectividad ha dejado de ser el tema central, ahora sustituido por una referencia subjetiva; por lo mismo, ya no ofrece escenas abiertas, firmes bajo la luz del sol, sino encuentros nocturnos, donde los cuerpos se amalgaman entre sí y con el ambiente. Si en la pintura posmercedaria observamos formas corpóreas, aquí todas parecen existencias irrealizadas, esencias tratando de huir de la profanación.

Después de 1988 empiezan a surgir los grandes fondos, conseguidos con aplicaciones lechosas de blancos, grises y amarillos tiernos; y también los conglomerados figurativos azulados, por lo general, ricos en apariencias gráficas y relaciones sensitivas. Hablamos entonces de su etapa final, que termina con su muerte.

Podemos decir, al final, que esta «incompletud existencial» noventina se halla por encima de la dureza morfológica de sus años académicos, de la carga irónica y expresiva de las etapas siguientes, y de la melancólica obra ochentina. Aunque ha sabido valerse de aquellas imágenes y ensayos, tratándolos con novedad. Es por esto que tiene sentido recordar la dialéctica entre comprensión e innovación. Cruz es novedoso porque comprende, mirando de frente a la tradición, produciendo un nuevo pintar —nuevo en los términos de Ricardo Aguilar, que trae símbolos.

FELIPE BURCHAR.

Nació en 1946. Es originario de Juticalpa, departamento de Olancho. No ha seguido estudios especiales de pintura, por lo que es un autodidacto en este campo, siéndolo a conciencia, pues desde muy joven decidió no incorporarse a ningun Academia. Como es esperable en un hombre de tales actitudes, su vocación artística se manifestó muy tempano, la que hubo de recibir el apoyo de su familia y sus maestros en la tórrida ciudad olanchana.

En 1963 viaja a Venezuela para completar sus estudios secundarios, los que había comenzado en Honduras. Al observar el movimiento artístico de aquel país y recibir nuevos estímulos por parte de sus educadores, Felipe decide consagrarse al trabajo artístico. Posteriormente, en 1968, viaja a Francia, España y Holanda. Con fines de observación, donde estudió, desde su óptica individual, el movimiento artístico europeo. En 1971 se establece en Estados Unidos para trabajar sistemáticamente en la pintura y lograr un mejor perfeccionamiento de sus medio expresivos. Allí permanece hasta 1973. Felipe Burchard trabaja preferentemente con acrílico. Aunque algunas veces utiliza el óleo, a él le parece que este material no se compagina con su personalidad artística. Usa una gama amplia de colores, pero en sus cuadros siempre predomina alguno de ellos, ya sea el azul, el rojo o el café. Su pincelada es pareja, sin vibraciones, por lo que las figuras que le resultan tienen un claro aire de solidez.

En la obra artística de Burchard se aprecia el empleo frecuente de diversos estilos, a veces incluso dentro de un mismo cuatro: el expresionismo, el impresionismo, el realismo mágico y el neofigurativismo. Sin embargo, cualesquiera que sean las líneas estilísticas adoptadas, en todos los casos la preocupación central del artista es la existencia humana y todo lo que la afecta. Por eso él no vacila en autodefinirse como un pintor social, de línea básicamente expresionista. Burchard ha efectuado exposiciones individuales en Venezuela, Panamá, El Salvador, Honduras, Guatemala, Estados Unidos, Inglaterra y Francia. Ha recibido numerosos premios, entre ellos Brasil 68; Premio Nacional del Instituto Hondureño de Cultura Interamericana; y Premio de la Bienal de San Pedro Sula, Honduras.

                                                             JOSE ANTONIO VELASQUEZ.

Todo comienza con una publicación en un diario nacional, un día como hoy, pero de 1983. El escritor y periodista Filadelfo Suazo plasma bajo el título “El Ángel Primitivo” un poema dedicado a José Antonio Velásquez, el pintor más importante de la historia de Honduras, el primer primitivista.

“Se fue la cal

de todas las paredes

se derrumbaron todas las iglesias

y se cerraron todas las ventanas

las tejas se quebraron

por millares”

Honduras cumplía su tercer día de duelo ante la muerte de Velásquez, el 14 de febrero de 1983. “A sus 76 años de edad falleció de ataque cardíaco, a las 5:15 de la mañana, en Tegucigalpa”.

Nació un 8 de febrero de 1906 en el departamento de Valle. En 1930 se trasladó a San Antonio de Oriente, un pequeño Pueblo de Francisco Morazán que le ofrecería en los siguientes años un universo de colores y formas para plasmarlos en una obra que recorrería gran parte del mundo. Era telegrafista y peluquero, pintor autodidacta y amante de la modestia. Junto a la corriente del Arte primitivista, o Arte naif, retrató cada árbol y arbusto que encontró en su camino, además las características casas con tejas rojas, la gran iglesia levantándose sobre el envolvente cielo, el sacerdote errante, y un pequeño perro correteando entre los aldeanos.

El escritor Rafael Heleodoro Valle escribiría:

“Tierra verde, pinos, tierra de numerosos pinares, bajo un intenso cielo azul, en el que nació su bandera. Cielo turquí, tierra verde, toda la gama biológica y poética del pino. Y allá en el fondo de los pinares, los pueblecitos blancos que parecen alfeñique. Así están en la biografía mínima de Honduras trazada por su pintor José Antonio Velásquez”

“Las primeras exposiciones fueron presentadas con patrocinio del Consejo Metropolitano del Distrito Central y producto de las cuales se adjudicó medallas de plata y algunos diplomas. Ya en 1954 su fama traspasaba las fronteras patrias, sus obras eran vistas en Alemania, España, Italia, Estados Unidos, México, Cuba, Brasil, Venezuela, República Dominicana, El Salvador, Nicaragua, Panamá, Colombia, entre otros. En 1981 estuvo en Costa Rica por invitación del presidente José Figueres”.

La famosa actriz estadounidense Sherley Temple narró la película “El mundo de un pintor primitivo”, documental auspiciado por la OEA que recoge las andanzas y trabajo de Velásquez.

Algunas piezas del pintor pueden apreciarse en el Banco Atlántida de Tegucigalpa. Presencia Universitaria hace este homenaje póstumo a quien sin duda alguna es el pintor más prominente que ha tenido esta tierra, a 31 años de su muerte.

El Arte primitivista El primitivismo, o Arte naif, se caracteriza por el autodidactismo y la negación del academicismo como medios para llegar a manifestaciones artísticas menos contaminadas que las convencionales. Se dice que es un arte ingenuo, inocente, porque pretende ofrecer una visión del mundo sincera y exenta de artificios. Sus principales características son los contornos definidos, la falta de perspectiva, la sensación volumétrica a través de los intensos colores, la potencia expresiva, entre muchos más que pretenden un dibujo no necesariamente correcto, más bien un reflejo de la tranquilidad y despreocupación interior.                                        

 GUILLERMO ANDERSON MI PAIS.